Un compositeur, Une oeuvre

Alexandre Scriabine et l'Etude Op.8 N°12

Sun, 20 Sep 2009 16:46:00 +0200

Alexandre Scriabine

Alexandre Nikolaïevitch Scriabine ou Skriabine (en russe : Александр Николаевич Скрябин) est un pianiste et un compositeur russe né à Moscou, le 25 décembre 1871 du calendrier julien/6 janvier 1872, et mort dans cette même ville, le 14 avril du calendrier julien/27 avril 1915.

Alexandre Scriabine se voyait souvent comme une figure religieuse ou messianique, peut-être influencé par le fait qu'il était né précisément le jour de Noël. Personnalité des plus fascinantes de la musique du début du siècle, longtemps méconnu, considéré comme un illuminé, les idées philosophiques idéalistes d’Alexandre Scriabine étaient suffisamment étranges pour détourner sa musique d'un grand nombre d'auditeurs.

Sommaire

1 Biographie
2 Principales œuvres

Biographie

Fils de Nikolaï Scriabine, diplomate, expert en langues orientales, et de Lioubov Petrovna Scriabine, pianiste talentueuse, Alexandre Scriabine est très vite livré à lui-même : sa mère meurt de tuberculose, et son père part pour la Turquie. Il est alors pris en charge par sa grand-mère Elizaveta Ivanovna (1823-1916), et surtout par sa tante Lioubov Aleksandrovna (1852-1941), qui lui apprend les bases du piano. Il est présenté en 1881 à Anton Rubinstein, grand pianiste et compositeur de l’époque, qui lui prédit un grand avenir (pour l’anecdote, Scriabine reproduira les mêmes encouragements à l’égard du pianiste Vladimir Horowitz, en ces mots adressés à sa mère : « Votre fils sera toujours un bon pianiste, mais cela ne suffit pas. Il doit aussi être un homme cultivé »).

Au début des années 1880, il rentre au corps des Cadets de l’École militaire de Moscou grâce à son oncle. Il bénéficie alors d’un régime de faveur, puisqu’il peut faire plusieurs heures de piano par jour, et s’exempter des exercices physiques. 1883 est l’année de ses premiers vrais cours de piano, avec Nikolaï Zverev. En 1888, le jeune homme entre au Conservatoire de Moscou comme élève de Vassili Safonov en piano et d'Anton Arenski en composition. C'est là qu'il rencontre un autre élève, Rachmaninov, qui deviendra à la fois un ami et un rival. Il sera influencé par Chopin, à qui il voue un culte tout particulier (la légende veut que le jeune Scriabine eût l'habitude de dormir en ayant préalablement placé sous son oreiller quelques partitions de son maître). 1892 marque la fin de ses études au Conservatoire, sanctionnées par une Médaille d’Or en piano, et la publication de ses premières œuvres. Néanmoins, il ne finit pas son cursus en composition, car il accepte mal l’esthétique de son professeur Arensky, et s’y oppose.

À cette époque, Scriabine décide tout d'abord de devenir pianiste, commence sa carrière en 1892 et voyage dans toute l'Europe. Cependant, un jour qu'il joue les Reminiscences de Don Juan de Liszt, il se blesse à la main droite ; en effet Scriabine avait des mains relativement petites, et certains écarts imposés l'ont obligé à forcer sur l'extension de sa main. Il commence à douter de sa carrière de virtuose après que des médecins lui eurent dit que les dégâts occasionnés étaient irréparables. Néanmoins, sa maladie lui permettra d’éviter le service militaire. Cette période de handicap sera pour lui une période de doute intense qui lui fera choisir la voie de la composition plutôt que celle du pianiste virtuose. Un choix qui, une fois ses capacités pianistiques retrouvées (les « spécialistes » de l'époque s'étaient trompés), le décidera certes à reprendre une carrière de virtuose à l'échelle internationale, mais uniquement en tant qu'interprète de ses propres compositions. Il débute en Russie, et obtient son plus grand succès à Paris le 16 mars 1896, salle Érard. Lors de son séjour dans la capitale française, il s’inscrit par ailleurs à la SACEM.

En 1897, il se marie avec Vera Ivanovna Issakovitch, brillante pianiste du conservatoire moscovite, dont il a une fille l’année suivante. En 1898, Scriabine pose également sa candidature au Conservatoire de Moscou, où il obtient le poste de professeur de piano. Les années qui suivent voient se succéder les naissances : en 1898, Rimma, en 1900 Elena, en 1901 Maria, et en 1902, Lev. Pendant ces quelques années, il visite l’Exposition Universelle de Paris (1900), est nommé inspecteur de la musique à Sainte-Catherine de Moscou, devient membre de la Société de philosophie moscovite, et se plonge dans la lecture des philosophes antiques. En 1902, fatigué des jalousies au sein du Conservatoire de Moscou, il démissionne.

Sa fille Elena épousa le pianiste Vladimir Sofronitsky.

À partir de 1904, le compositeur tient un journal personnel où sont notées ses réflexions musicales et philosophiques. Sa vie personnelle est mouvementée : il quitte sa femme, et perd sa petite fille Rimma. Cependant, Vera Issakovitch refuse le divorce ; Scriabine continue donc une vie conjugale artificielle avec elle, et s’installe en couple sur la Riviera italienne. En effet, ne tenant plus compte de sa femme, il se marie avec Tatiana Fiodorovna Schloezer (Tatiana de Schloezer), une de ses élèves, dont il a une fille, Ariane, en 1905. Sur le plan amical, il se lie avec Gueorgui Plekhanov (1865-1918), fervent partisan des idées marxistes, et avec Helena Blavatsky, figure très importante du mouvement théosophique, qui devra sensiblement l’influencer dans ses compositions ultérieures. En 1907, il s’installe à Paris avec Tatiana et signe un contrat de nombreux concerts avec Serge Diaghilev, célèbre créateur des Ballets Russes. Puis il s’installe à Bruxelles (rue de la Réforme 45), et réfléchit abondamment sur la synesthésie, résultat notamment de ses rencontres avec divers artistes et philosophes. En 1909, il retourne en Russie, et continue à composer, tout en imaginant des projets grandioses alliant couleur et musique. Il s’inspire des écrits du Père Louis-Bertrand Castel (1688-1757), inventeur d’un clavecin qui associe couleurs et sons. Il continue ses tournées, notamment en Allemagne et en Angleterre, où ses pièces sont de plus en plus reconnues.

Sur le plan personnel, l’année 1911 voit la naissance de sa fille Marina. En 1914, il revient à Moscou, et continue à travailler sur ses projets grandioses. Son père décède la même année, et il ne tarde pas à le suivre dans la tombe : Scriabine donne son dernier concert en avril et décède le même mois. Les circonstances de son décès n’ont pas été éclaircies, certains la relient à une piqûre de mouche charbonneuse qui aurait entraîné une infection sanguine, d’autres considèrent que le grand compositeur est mort d’une pleurésie.

Par la combinaison des sons, des couleurs (« clavier à lumières » pour Prométhée ou le poème du feu), à la recherche d'une liberté spirituelle et de l’extase, sa musique évolue de façon toujours plus nette vers les aspects mystiques de la vie, de la mort, de la réincarnation.

Œuvres principales

Orchestre

- Concerto pour piano et orchestre en fa dièse mineur (Op. 20), 1897-1898.
- Rêverie pour orchestre en mi mineur (Op. 24), 1898.
- Symphonie n°1 en mi majeur, pour mezzo-soprano, ténor, choeur mixte et orchestre (Op. 26) :
1. Lento;
2. Allegro drammatico;
3. Lento;
4. Vivace;
5. Allegro;
6. Andante.
- Symphonie n°2 en do mineur (Op. 29), 1901 :
1. Andante - Allegro giocoso;
2. Allegro;
3. Andante;
4. Tempestoso;
5. Maestoso.
- Symphonie n°3 en do mineur Poème divin (Op. 43), 1902-1904 :
1. Luttes;
2. Voluptés;
3. Jeu divin.
- Poème de l'extase pour grand orchestre (Op. 54), 1904-1907.
- Prométhée ou le poème du feu pour grand orchestre avec orgue, chœurs, piano, et clavier à lumières (Op. 60), 1908-1910.

Piano seul

- Valse en fa mineur (Op. 1), 1886.
- Trois morceaux (Op. 2), 1889 :
1. "Etude" en do dièse mineur;
2. "Prélude" en si majeur;
3. "Impromptu à la Mazur".
- Dix Mazurkas (Op. 3), 1888-1890 :
1. en si mineur, (Tempo giusto);
2. en fa dièse mineur, (Allegretto non tanto);
3. en sol mineur, (Allegretto);
4. en mi majeur;
5. en ré dièse mineur, (Doloroso);
6. en do dièse mineur, (Scherzando);
7. en mi mineur, (Con passione);
8. en si bémol mineur, (Con moto);
9. en sol dièse mineur;
10. en mi bémol mineur.
- Allegro appassionato en mi bémol mineur (Op. 4), 1887-1893.
- Deux Nocturnes (Op. 5), 1890 :
1. en fa dièse mineur, (Andante);
2. en la majeur, (Allegretto).
- Sonate n°1 en fa mineur (Op. 6), 1892-1893.
- Deux Impromptus à la Mazur (Op. 7), 1891.
- Douze Etudes (Op. 8), 1894-1895 :
1. en do dièse majeur, (Allegro);
2. en fa dièse mineur, (A cappricio, con forza);
3. en si mineur, (Tempestoso);
4. en si majeur, (Piacevole);
5. en mi majeur, (Brioso);
6. en la majeur, (Con Grazia);
7. en si bémol majeur, (Presto tenebroso);
8. en la bémol majeur, (Lento);
9. en sol dièse mineur, (Alla ballata);
10. en ré bémol majeur, (Allegro);
11. en si bémol mineur, (Andante cantabile);
12. en ré dièse mineur, (Patetico). Lien wikipédia: Étude Op. 8 n° 12 de Scriabine
- Prélude et Nocturne pour la main gauche seule (Op. 9), 1894-1895 :
1. "Prélude" en do dièse mineur;
2. Nocturne en ré bémol majeur.
- Deux Impromptus (Op. 10), 1894 :
1. en fa dièse mineur;
2. en la majeur.
- Vingt-quatre Préludes (Op. 11), 1888-1896
1. en do majeur, (Vivace), 1895;
2. en la mineur, (Allegretto), 1895;
3. en sol majeur, (Vivo), 1895;
4. en mi mineur, (Lento), 1888;
5. en ré majeur, (Andante cantabile), 1896;
6. en si mineur, (Allegro), 1889;
7. en la majeur, (Allegro assai), 1895;
8. en fa dièse mineur, (Allegro agitato), 1896;
9. en mi majeur, (Andantino), 1895;
10. en do dièse mineur, (Andante), 1894;
11. en si majeur, (Allegro Assai), 1895;
12. en sol dièse mineur, (Andante), 1895;
13. en sol bémol majeur, (Lento), 1895;
14. en mi bémol mineur, (Presto), 1895;
15. en ré bémol majeur, (Lento), 1895;
16. en si bémol mineur, (Misterioso), 1895;
17. en la bémol majeur, (Allegretto), 1895;
18. en fa mineur, (Allegro Agitato), 1895;
19. en mi bémol majeur, (Affetuoso), 1895;
20. en do mineur, (Appassionato), 1895;
21. en si bémol majeur, (Andante), 1895;
22. en sol mineur, (Lento), 1896;
23. en fa mineur, (Vivo), 1895;
24. en ré mineur, (Presto), 1895.
- Deux Impromptus (Op. 12), 1895 :
1. en fa dièse majeur, (Presto);
2. en si bémol mineur, (Andante cantabile).
- Six Préludes (Op. 13), 1895 :
1. en do majeur, (Maestoso);
2. en la mineur, (Allegro);
3. en sol majeur, (Andante);
4. en mi mineur, (Allegro);
5. en ré majeur, (Allegro);
6. en si mineur, (Presto).
- Deux Impromptus (Op. 14), 1895 :
1. en si majeur, (Allegretto);
2. en fa dièse mineur, (Andante cantabile).
- Cinq Préludes (Op. 15), 1895-1896 :
1. en la majeur, (Andante);
2. en fa dièse mineur, (Vivo);
3. en mi majeur, (Allegro assai);
4. en mi majeur, (Andantino);
5. en do dièse mineur, (Andante).
- Cinq Préludes (Op. 16), 1894-1896 :
1. en si majeur, (Andante);
2. en sol dièse mineur, (Allegro);
3. en sol bémol majeur, (Andante cantabile);
4. en mi bémol mineur, (Lento);
5. en fa dièse majeur, (Allegretto).
- Sept Préludes (Op. 17), 1895-1896
1. en ré mineur, (Allegretto);
2. en mi bémol majeur, (Presto);
3. en ré bémol majeur, (Andante);
4. en si bémol mineur, (Lento);
5. en fa dièse majeur, (Prestissimo);
6. en si bémol majeur; (Andante doloroso);
7. en sol mineur; (Allegro assai).
- Allegro de concert, en si bémol mineur (Op. 18), 1896-1897.
- Sonate-Fantaisie n°2, en sol dièse mineur (Op.19), 1895-1897.
- Polonaise, en si bémol mineur (Op. 21), 1897-1898.
- Quatre Préludes (Op. 22), 1896-1898 :
1. en sol mineur, (Andante);
2. en do dièse mineur, (Andante);
3. en si majeur, (Allegretto);
4. en si mineur, (Andantino).
- Sonate n°3, en fa dièse mineur (Op. 23), Etats d'ames 1897-1898.
- Neuf Mazurkas (Op. 25), 1898-1899 :
1. en fa mineur/majeur, (Allegro);
2. en do majeur, (Allegretto);
3. en mi mineur, (Lento);
4. en mi majeur, (Vivo);
5. en do dièse mineur, (Agitato);
6. en fa dièse majeur, (Allegretto);
7. en fa dièse mineur, (Moderato);
8. en si majeur, (Allegretto);
9. en mi bémol mineur, (Mesto).
- Deux Préludes (Op. 27), 1899 :
1. en sol mineur, (Patetico);
2. en si majeur, (Andante).
- Fantaisie, en si mineur, (Op. 28), 1900.
- Sonate n°4, en fa dièse majeur (Op. 30), 1901-1903 :
1. Andante;
2. Prestissimo Volando.
- Quatre Préludes (Op. 31), 1903 :
1. en ré bémol majeur, (Andante);
2. en fa dièse mineur, (Con stravaganza);
3. en mi bémol mineur, (Presto);
4. en do majeur, (Lento).
- Deux Poèmes (Op. 32), 1903 :
1. en do dièse majeur, (Andante cantabile);
2. en la bémol majeur, (Allegro. Con eleganza. Con fiducia)
- Quatre Préludes (Op. 33), 1903 :
1. en mi majeur;
2. en do dièse majeur, (Vagamente);
3. en do majeur;
4. en la bémol majeur, (Ardito, bellicoso).
- Poème tragique (Op. 34), 1903.
- Trois Préludes (Op. 35), 1903 :
1. en ré bémol majeur, (Allegro);
2. en si bémol majeur, (Elevato);
3. en do majeur, (Scherzoso).
- Poème satanique (Op. 36), 1903.
- Quatre Préludes (Op. 37), 1903 :
1. en si bémol mineur, (Mesto);
2. en fa dièse majeur, (Maestoso, fiero);
3. en si majeur, (Andante);
4. en sol mineur, (Irato impetuoso).
- Valse, en la bémol majeur (Op. 38), 1903.
- Quatre Préludes (Op. 39), 1903 :
1. en fa dièse majeur, (Allegro);
2. en ré majeur, (Elevato);
3. en sol majeur, (Languido);
4. en la bémol majeur.
- Deux Mazurkas (Op. 40), 1903
1. en ré bémol majeur, (Allegro);
2. en fa dièse majeur, (Piacevole).
- Poème en ré bémol majeur (Op. 41), 1903.
- Huit Etudes (Op. 42), 1903 :
1. en ré bémol majeur, (Presto);
2. en fa dièse mineur;
3. en fa dièse majeur, (Prestissimo);
4. en fa dièse majeur, (Andante);
5. en do dièse mineur, (Affanato);
6. en ré bémol majeur, (Esalto);
7. en fa mineur, (Agitato);
8. en mi bémol majeur, (Allegro).
- Deux Poèmes (Op. 44), 1905 :
1. en do majeur, (Lento);
2. en do majeur, (Moderato).
- Trois Morceaux (Op. 45), 1905 :
1. Feuillet d'album;
2. Poème fantasque;
3. Prélude.
- Scherzo (Op. 46), 1905.
- Quasi Valse (op . 47), 1905.
- Quatre Préludes (Op. 48), 1905 :
1. en fa dièse majeur, (Impetuoso, fiero);
2. en do majeur, (Poetico con delizia);
3. en ré bémol majeur, (Capricciosamente affanato);
4. en do majeur, (Festivamente).
- Trois Morceaux (Op. 49), 1905 :
1. Etude, (Prestissimo);
2. Prélude, (Brusquement irrité);
3. Rêverie.
- Quatre Morceaux (Op. 51), 1906 :
1. Fragilité;
2. Prélude;
3. Poème ailé;
4. Danse languide.
- Trois Pièces (Op. 52), 1905-1907 :
1. Poème;
2. Enigme;
3. Poème languide.
- Sonate n°5 (Op. 53), 1907.
- Quatre Pièces (Op. 56), 1907 :
1. Prélude;
2. Ironies';
3. Nuances;
4. Etude.
- Deux Pièces (Op. 57), 1908 :
1. Désir;
2. Caresse dansée.
- Feuillet d'album (Op. 58), 1910.
- Deux Morceaux (Op. 59), 1910 :
1. Poème;
2. Prélude.
- Poème-Nocturne (Op. 61), 1911.
- Sonate n°6 (Op. 62), 1911-1912.
- Deux Poèmes (Op. 63), 1911-1912 :
1. Masque;
2. Etrangeté.
- Sonate n°7 (Op. 64), Messe blanche, 1911-1912.
- Trois Etudes (Op. 65), 1912 :
1. (Allegro Fantastico);
2. (Allegretto);
3. (Molto Vivace).
- Sonate n°8 (Op. 66), 1913.
- Deux Préludes (Op. 67), 1913 :
1. (Andante);
2. (Presto).
- Sonate n°9 (Op. 68), "Messe noire 1912-1913.
- Deux poèmes (Op. 69), 1913 :
1. (Allegretto);
2. (Allegretto).
- Sonate n°10 (Op. 70), 1912-1913
- Deux Poèmes (Op. 71), 1913-1914 :
1. (Fantastique);
2. (En révant).
- Vers la flamme: Poème (Op. 72), 1914.
- Deux Danses (Op. 73), 1914 :
1. Guirlandes;
2. Flammes sombres.
- Cinq Préludes (Op. 74), 1914 :
1. (Douloureux déchirant);
2. (Très lent, contemplatif);
3. (Allegro dramatico);
4. (Lent, vague, indécis);
5. (Fier, belliqueux).

Autres

12 sonates pour piano, dont 2 ont été éditées à titre posthume.
Préludes, nocturnes, impromptus, poèmes, mazurkas, valses, études pour piano (à noter dans cette catégorie, l'une de ses dernières œuvres pour piano, le poème Vers la flamme Op. 72, qui est un des joyaux de la musique pour piano russe du début du XX^e siècle et qui reprend toute l'esthétique et la technique pour piano de Scriabine ainsi que la fameuse Pathétique (Étude Op. 8 n° 12), une de ses pièces pour piano les plus connues et les plus jouées, dont le style rappelle la Révolutionnaire de Chopin.
Etude "Affanato" Op. 42 No. 5
3 symphonies dont la symphonie n° 3 « poème divin » Op. 43 (1902)
Concerto pour piano
Poème de l'extase pour grand orchestre Op. 54 (1904-1907)
Prométhée ou le poème du feu Op. 60 (1908-1910)
Sa dernière œuvre et projet le plus ambitieux resté inachevé, Le Mystère

Etude Op.8 N° 12

L'Étude op. 8 n° 12 (ou « Patetico », ou « Étude pathétique ») est la dernière du premier recueil d'études d'Alexandre Scriabine, publié en 1895 (la toute première étude, l'opus 2 n° 1, date de 1887, selon Scriabine lui-même), alors que ce dernier a 23 ans. C'est une des œuvres les plus connues de Scriabine, et sans doute la plus célèbre de ses études. On n'essayera pas d'expliquer ici les raisons, musicales ou autres, de cet engouement, mais il est clair que son thème, bien caractéristique et facile à mémoriser (c'est-à-dire facile à fredonner, par exemple), y est sûrement pour beaucoup.

Composition

Elle est en ré dièse mineur (six dièses à la clé), de mesure 4/4 ou C, mesure assez rarement utilisée par le compositeur, contrairement à Rachmaninov qui l'utilise dans un nombre considérable de pièces. Le tempo donné se situe sur une fourchette de 100 à 112 à la noire avec comme indication Patetico (d'où le nom qu'on lui donne parfois, la Pathétique).

De cette étude, rien de bien original en ce qui concerne la structure, que l'on retrouve dans bien d'autres pièces courtes pour piano : une structure de type ABA', le thème est exposé en A, développé en B et réexposé ensuite en A', mais arrangé différemment (d'où la dénomination A' et non simplement A). En A et B, un chant en accords (extension une octave) de la main droite est accompagné par une basse en triolets de la main gauche, le décalage rythmique (binaire de la main droite, ternaire de la gauche) donne au morceau un rythme un peu "buté". C'est cet accompagnement de la main gauche qui constitue le principal intérêt technique de cette pièce, un mélange de grands déplacements et d'extensions qui frise la surenchère technique : la plus grande extension fait ré#-sol#, trop grande pour les mains mêmes de Scriabine (cela dit, rien n'empêche d'arpéger), certains déplacements couvrent deux octaves d'un coup, le motif d'accompagnement change souvent (il y a tout de même des répétitions). Malgré tout, le mouvement de la main gauche n'est pas excessivement rapide (cinq notes à la seconde) comparé à celui d'autres pièces (ex: Moment musical n° 4 de Rachmaninov) qui peuvent atteindre dix à quinze notes à la seconde et même plus. Cependant, les déplacements nécessitent tout de même une main souple, rapide et précise. Dans la partie A', le thème est repris, accompagné cette fois de triolets d'accords des deux mains (la main droite joue donc à la fois le thème et l'accompagnement), puis d'une montée des deux mains sur deux mesures suvie d'un accord, et enfin de deux accords conclusifs.

Influence

On a comparé son caractère épique et puissant à la Révolutionnaire de Frédéric Chopin, ce qui n'a rien de surprenant quand on sait l'influence de ce dernier sur Scriabine. Le principe de la main droite qui joue à la fois le thème binaire et un accompagnement ternaire se retrouve dans le Nocturne opus 48 n° 1 de Chopin, également lors de la reprise du thème principal.

Interprétations

Nikolai Lugansky

Dora Jakovina

Vladimir Horowitz

Sources:

http://fr.wikipedia.org/wiki/Scriabin

http://fr.wikipedia.org/wiki/%C3%89tude_Op._8_n%C2%B0_12_de_Scriabine

http://www.youtube.com

Wolfgang Amadeus Mozart et la Symphonie N° 40

Sun, 21 Jun 2009 16:00:00 +0200

Wolfgang Amadeus Mozart

⁽^{pour le compositeur cliquer ici}⁾

Symphonie N° 40

La symphonie n^o 40 en sol mineur KV 550 a été composée par Wolfgang Amadeus Mozart durant l'été 1788.

Écrite par le musicien trois semaines après la symphonie n° 39, elle est achevée le 25 juillet 1788 (ses trois dernières symphonies, dont celle-ci, sont terminées en moins de deux mois). Les circonstances précises de sa composition restent inconnues (commande ?). La partition a été remaniée après 1791 par l'ajout d'une partie de clarinettes ce qui est inhabituel dans la symphonie classique. Elle ne semble pas avoir été jouée du vivant du musicien

Le manuscrit a appartenu un temps à Johannes Brahms.

La quarantième est dans un ton et une atmosphère tous différents. Après des moments épiques de spiritualité dans la Mi bémol, Mozart développe dans la Sol mineur un sentiment tragique et angoissé. Probablement, la perte d’une fille en bas âge et l’impopularité dont le compositeur souffrait l’a-t-il poussé à exprimer sa douleur dans sa symphonie. Elle est aujourd’hui immensément populaire, de loin la plus jouée du compositeur, et même l'une des œuvres de musique classique les plus jouées aujourd’hui ; la véhémence géniale de son artisanat furieux plaît énormément de nos jours, alors qu’il y a un siècle, on la considérait comme une charmante œuvre galante.

Elle comporte quatre mouvements et son exécution demande environ un peu moins d'une demi-heure

Molto allegro
Andante
Menuet & Trio
Allegro assai

Analyse

Cette symphonie se rapproche fortement de la Symphonie n°25 en sol mineur ; elle est d’ailleurs construite identiquement quant aux mouvements et c'est, avec cette dernière, la seule écrite en mineur. À noter que Mozart écrivit, dans sa prime jeunesse (à l'âge de 8 ans), une troisième œuvre symphonique en mineur, dite "Odense".

Le début du premier mouvement est totalement différent des productions précédentes de Mozart. Pas de thème marquant, comme dans les numéros 25, 30, 31, 32, 33, 34 et 35 ; pas d’introduction lente comme dans les numéros 36, 38 et 39. L’exposition, inexistante, laisse tout de suite place au développement du thème initial. Le Molto allegro est lancinant, pathétique en son centre, d’une atmosphère sombre. La gravité de l’Andante, résigné mais nettement moins pathétique que celui de la nº 25, obtient pour réponse un menuet pugnace, presque provocateur, et un trio volontairement naïf dont la mélancolie se fait ressentir.

Enfin, le finale Allegro Assai reprend les arpèges du premier mouvement, avec encore plus de violence. On y ressent une colère qu’aucune coda n’apaisera.

Sources :
http://fr.wikipedia.org/wiki/Symphonie_n%C2%B0_40_de_Mozart
http://www.youtube.com

Wolfgang Amadeus Mozart et le Concerto pour Clarinette

Thu, 18 Jun 2009 22:00:00 +0200

Wolfgang Amadeus Mozart

⁽^{pour le compositeur cliquer ici}⁾

Concerto pour Clarinette

Le Concerto pour clarinette en la majeur K 622 est un morceau composé par Wolfgang Amadeus Mozart en 1791, quelques mois avant sa mort. Des quarante-trois concertos pour soliste qu'écrivit Mozart, celui-ci fut le dernier, et également le seul qu'il composa pour clarinette. Prévu pour une clarinette soliste, deux flûtes, deux bassons, deux cors d'harmonie et un ensemble de cordes, il est composé de trois mouvements qui suivent la forme traditionnelle du concerto (rapide/lent/rapide) : un allegro, un adagio et un rondo. Il s'agit de l'un des morceaux les plus écoutés de Mozart. Il est souvent considéré comme un incontournable de la clarinette avec les concertos de Stamitz.


Sommaire 1 Histoire de la partition 2 Première 3 Analyse de l'œuvre 3.1 Allegro 3.2 Adagio 3.3 Rondo

Histoire de la partition

Le Concerto pour clarinette avait été composé entre le 28 septembre et le 7 octobre 1791, à l'attention de Anton Stadler, un cor de bassiste et clarinettiste virtuose que Mozart appréciait beaucoup et qui était dans la même loge maçonnique. En réalité, l'Allegro avait été composé dès 1787, mais en sol majeur (K 621b) et non en la, et pour cor de basset. Mozart avait repris et transcrit ce mouvement pour l'ajouter à ce concerto, tout en y adjoignant deux mesures. Selon une lettre que Mozart écrivit à sa femme environ huit semaines avant sa mort, on sait que le Rondo fut achevé le 7 octobre 1791. Mozart précisa qu'il l'avait écrit pour la bass Klarinett de Stadler. Ce dernier avait inventé trois ans auparavant avec Theodore Lotz la clarinette de basset, formée d'une extension à sa clarinette en la qui permettait de rapprocher cette dernière d'un cor de basset et donc de jouer dans un registre plus grave. Cet instrument avait été baptisé alors clarinette basse (à ne pas confondre avec la clarinette basse moderne). Mozart avait probablement composé son Concerto en prenant en compte les particularités de cet instrument : la clarinette de basset peut descendre jusqu'au do tandis que la clarinette en si bémol plus classique ne peut aller que jusqu'au mi.

Les éditeurs firent des modifications pour que le morceau puisse être joué sur les clarinettes en si bémol ou en la, et certains passages dans les graves ont donc été revus. Malheureusement, la version originale du Concerto ne fut jamais publiée et la partition originale perdue. La plus ancienne version que l'on possède de cette œuvre est la version publiée par Andrè de 1801 pour clarinette en la.

Bien que la plupart des interprétations soient faites de nos jours avec des clarinettes en si bémol ou en la, il y a eu des tentatives de restauration de la partition originale de Mozart jouées avec des cors de basset ou des clarinettes de basset. Cette dernière n'est d'ailleurs plus utilisée (et même fabriquée) que pour l'exécution traditionnelle de ce Concerto et de l'aria Non più di fiori de l'opéra La clemenza di Tito.

Première

Le Concerto fut représenté pour la première fois en public à Prague, le 16 octobre 1791, avec Stadler jouant la partie clarinette. Les avis furent très mitigés bien que la critique fut globalement bonne. Certains louèrent la performance de Stadler. Ainsi, le Berlin Musikalisches Wochenblatt écrivit en janvier 1792 : « Herr Stadler, clarinettiste de Vienne. Un homme de grand talent et reconnu comme tel à la cour. Son jeu est merveilleux et porte témoignage de son assurance. » Mais d'autres en revanche critiquèrent Mozart d'avoir composé une pièce pour une clarinette trafiquée dont Stadler était probablement le seul joueur.

Analyse de l'oeuvre

Allegro

Initialement écrit en sol majeur pour cor de basset, ce mouvement est le plus long du Concerto (environ douze minutes). Sommairement, il est divisé en trois parties, elles-mêmes divisées en deux sous-parties. Le morceau s'ouvre sur l'orchestre jouant le thème principal. Celui-ci est ensuite repris par le soliste. Le morceau évolue jusqu'à une pause de tout l'orchestre permettant un passage purement soliste de la clarinette. Le thème principal réapparaît alors, mais transposé, puis débouche sur le soliste accompagnant l'orchestre en basse d'Alberti, ce qui est un développement assez inhabituel. L'évolution du morceau devient spectaculaire et un tutti s'ensuit qui débouche sur une nouvelle exposition du thème principal. De nouveaux passages en basse d'Alberti et arpégés sont joués par le soliste, puis le mouvement s'achève joyeusement en la majeur.

Adagio

Souvent utilisé comme musique de fond dans les films, ce mouvement est probablement le plus connu du Concerto et son timbre mélancolique et son lyrisme est l'un des principaux facteurs qui ont valu au concerto le qualificatif d' « automnal » par lequel il est souvent dépeint. Il est écrit en forme aria (autrement dit, en A/B/A) et s'ouvre sur le soliste jouant le thème principal, repris alors par l'orchestre. S'ensuit un jeu entre le soliste qui joue des notes descendantes et l'orchestre qui les reprend. Le développement du morceau alterne alors entre le registre du chalumeau (grave) et du clairon (aigu) de la clarinette. Ce passage s'achève souvent sur une cadence (la plupart du temps, on reprend une section du Larghetto du Quintette avec clarinette) avant que le thème principal ne soit repris avant d'arriver à la coda.

Rondo
Le rondo est un mouvement plus léger, enthousiaste qui conclut le concerto.

Sources :
http://fr.wikipedia.org/wiki/Concerto_pour_clarinette_de_Mozart
http://www.youtube.com

Johan Sebastian Bach et La Passion selon St Mathieu

Sun, 14 Jun 2009 16:00:00 +0200

Johan Sebastian Bach

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La Passion selon St Mathieu

La Passion selon saint Matthieu (BWV 244) (en latin Passio Domini nostri Jesu Christi secundum Evangelistam Matthaeum, connue en allemand sous le nom de Matthäuspassion), est l'une des œuvres vocales les plus abouties de Johann Sebastian Bach.

La Passion, œuvre monumentale dont l'éxecution dure environ 2 heures 45, compte parmi les piliers de la musique classique, avec par exemple l'opéra La flûte enchantée de Mozart ou la 9^e symphonie avec chœur de Beethoven.

La Passion allie la sobriété d'un récit psalmodié par une seule voix, avec des parties très puissantes et expressives chantées par les différents solistes et les deux chœurs exigés pour son exécution.

Le leitmotiv de l'œuvre est la compassion, la passion pour l'autre, et l'abandon à la douleur. Qu'elles soient de joie ou de peine, amères ou libératrices, toute l'œuvre paraît baigner dans les larmes.

Bach a composé également une Passion selon Saint Jean, moins connue. Il avait apparemment le projet d'écrire quatre passions correspondant aux différents récits de la condamnation à mort de Jésus par les quatre évangélistes.

Création et histoire des éxécutions

La Passion selon saint Matthieu fut jouée pour la première fois le 15 avril 1729, le jour du Vendredi Saint. On ne sait si elle a été écrite cette même année ou deux ans auparavant en 1727. Elle a été remaniée deux fois. La troisième version, définitive, a été créée en 1736.

Les trois présentations eurent lieu en l'église Saint-Thomas de Leipzig où Bach fut maître de chapelle de 1723 à sa mort en 1750. À chaque fois, elles y reçurent un mauvais accueil. Leipzig était une cité protestante marquée par un piétisme austère, hostile aux effets dramatiques et à la puissance d'émotion de cette musique.

Elle ne sera rejouée qu'un siècle plus tard, le 11 mars 1829, grâce aux efforts de Felix Mendelssohn Bartholdy qui dirigea l'Académie de Chant de Berlin, et entraîna une redécouverte durable de Bach.

Au XX^e siècle, la Passion fut jouée et enregistrée par de grands orchestres dirigés par les plus grands chefs, Wilhelm Furtwängler, Karl Richter, Otto Klemperer, Hermann Scherchen, Nikolaus Harnoncourt, Gustav Leonhardt, Ton Koopman, Helmuth Rilling, Georg Solti, John Eliot Gardiner, Philippe Herreweghe, proposant des interprétations variées.

Le récit d'un condamné mis en musique

La Passion de Matthieu est avant tout un texte mis en musique. L'art mis en œuvre est donc lyrique. Le texte choisi existe déjà depuis longtemps. C'est le récit de la condamnation à mort et de l'exécution de Jésus. Ce récit est tiré de la fin de l'Évangile selon Matthieu, plus exactement les chapitres 26 et 27. Le chapitre 28, le dernier, n'a pas été retenu. Il faut rappeler que ce récit n'est pas neutre, et qu'il a été composé pour amener le lecteur à croire en une vie nouvelle. Bach a dû à son tour méditer, et interpréter à sa manière ce texte pour savoir comment le mettre en musique.

La base d'un récit psalmodié

Puisque Bach n'avait pas le droit de mettre la Passion en scène, il a du se contenter d'un drame sonore, un oratorio. Le texte a donc retenu toute son attention. Le texte à mettre en musique est un texte de six pages, une traduction allemande du grec, il est en prose. Bach a choisi de le restituer intégralement. Il le fait chanter par un même chanteur, sur une ligne musicale qui change constamment pour accentuer tel ou tel mot du récit. C'est le principe de la psalmodie. Le chant est juste ponctué d'accords de clavecin. L'écoute est donc un peu ardue, mais elle est plus aisée si on s'initie un peu à l'allemand et si on se familiarise avec le texte de l'histoire. Notons qu'à d'autres époques, en d'autres lieux, une alternative aurait été de scander le texte, à la manière d'un rappeur, d'un aède grec, d'un barde serbe, ou d'un griot africain.

Les multiples inventions

Bach va ajouter à cette première psalmodie d'autres couches de musique qui vont donner à l'œuvre une ampleur considérable, une toute autre étoffe que la sobriété de cette première ligne un peu nue.

On peut énumérer ces différentes couches, qui viennent s'ajouter à la ligne de base et l'enrichir.

Il fait chanter toutes les paroles rapportées dans le récit par des voix différentes, ou encore par tout un chœur. Certains chanteurs assument donc les rôles de Jésus, Pierre, Judas, Pilate, la femme de Pilate, des témoins, etc.
Il introduit des pauses dans la lecture. Ce sont les réactions des croyants. Ils sont sensibles à l’histoire et comprennent son sens. Ils interviennent toujours avec des phrases très calmes, de grandes respirations chantées par tout le chœur. Il y en a douze. On les appelle des chorals. Le texte des chorals a été composé par le poète Picander.
Il introduit des chansons appelées arias à chaque tournant de l’histoire. Le récit est interrompu par un personnage qui chante son émotion. Le plus souvent, le chant est d'abord annoncé dans une psalmodie qu'on appelle un récitatif. Il résume la situation, et introduit au chant qui va suivre. Il y a quinze arias et dix récitatifs en tout dans la Passion. La plupart sont chantés par des voix seules. Picander a également écrit les paroles des arias.
Le récit de la Passion est précédée d’une grande ouverture. La première partie est clôturée par un final. La seconde partie est également ouverte par une pièce, et l’œuvre s’achève par un grand final.
Bach utilise deux chœurs, qu'il utilise l'un après l'autre, ou les deux ensemble, comme deux voix qui se mêlent, ou bien à l'unisson.

Vidéos de quelques passages de l'oeuvre

Aria : Erbarme Dich mein Gott

Können Tränen meiner Wangen

Choeur

Sources:

http://fr.wikipedia.org/wiki/Passion_selon_saint_Matthieu

http://www.youtube.com

Jean Baptiste Pergolèse et le Salve Regina

Sun, 17 May 2009 17:00:00 +0200

Jean-Baptiste Pergolèse

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Salve Regina

Interpétation par le contre ténor : Gérard Lesne.

Salve regina

Ad te clamamus

Et Jesus
O clemens

Eja ergo

Les 3 mouvements.

Sources:
http://www.youtube.com

Inva Mula

Sat, 11 Apr 2009 12:00:00 +0200

Inva Mula

Inva Mula, également connue sous les noms de Inva Mula-Çako ou Inva Mula-Tchako, est une chanteuse d'opéra soprano née en 1963 à Tirana, Albanie. Originaire d'une famille d'artistes, elle commence sa carrière de chanteuse très jeune. Son père, Avni Mula, et son mari, Pirro Çako, sont des chanteurs et compositeurs albanais célèbres.

Biographie

Avant d'entamer une carrière internationale de soliste, elle est choriste à l'Opéra national de Paris.

En 1987, elle gagne le concours de chant "Cantante d'Albania" à Tirana et en 1988 le concours "George Enescu" à Bucarest. En 1992, elle remporte la compétition "Butterfly" à Barcelone. Elle reçoit un prix au premier concours Operalia de Placido Domingo à Paris en 1993, dont un CD du concert à été commercialisé.

Elle donne ensuite une série de concerts avec le célèbre ténor à l'Opéra Bastille et à Bruxelles pour "Europalia Mexico", puis à Munich et Oslo. Elle chante à présent régulièrement les premiers rôles dans les plus grandes salles d'opéra du monde - par exemple Lucia di Lammermoor, La Bohème et Manon à La Scala - et elle est considérée comme l'une des grandes interprètes de Violetta dans La Traviata. Elle se produit souvent en France. À Paris, elle a notamment chanté dans la Traviata, Carmen, Ivan IV, la Rondine. Elle a interprété le rôle de Marguerite dans le Faust de Gounod aux Chorégies d'Orange en août 2008.

Elle a été l'interprète vocale de Lucia di Lammermoor chanté par la diva Plava-Laguna dans Le Cinquième Élément de Luc Besson, sorti en 1997.

Note personnelle de ma part : Je l'ai entendue le 10/04/09 dans le rôle de Michaela dans "Carmen" de Bizet: sublime voix !!!!!

Extraits

Final de la "Traviata"

"Rigoletto" de Verdi

Final de "Faust"de Gounod

Rêve d'amour de Liszt

"Mi chiamano Mimi" de la Bohème de Puccini

"Te dua" avec Ardit Gjebrea

"Ah, non poss'io partire" de Capuletti

I dolce suono (le 5ème élément de L.BESSON)

Sources:

http://fr.wikipedia.org/wiki/Inva_Mula

http://www.youtube.com

Maurice Jarre et ses oeuvres les plus connues

Mon, 23 Mar 2009 12:00:00 +0100

Maurice Jarre

Maurice Jarre,est un compositeur français de musiques de films, né le 13 septembre 1924 à Lyon (France) et mort le 29 mars 2009 à Los Angeles (États-Unis) des suites d'un cancer. Il est le père de Jean Michel Jarre et de Stéphanie Jarre.

Sommaire

1 Biographie
2 Récompenses

Biographie

Maurice Jarre s'est intéressé assez tard à la musique. Timbalier de formation, Jarre s'intéresse très vite à la composition et se retrouve directeur musical du Théâtre National Populaire durant douze années (1951-1963). Il a d'ailleurs composé les mythiques trompette, la fanfare d'accueil qui retentit dans la Cour d'honneur du Palais des Papes en juillet lors de chaque représentation du Festival d'Avignon.

Sa carrière dans la musique de film démarra dans les années 1950 pour des courts métrages (des compositions pour les films de Georges Franju, Jacques Demy, Alain Resnais notamment) puis des longs métrages à partir de 1958 (La Tête contre les murs de Georges Franju).

C'est également dans les années 1950 que Maurice Jarre composa l'indicatif de fin d'émission de la station de radio française Europe 1.

Sa carrière Hollywoodienne ne démarra véritablement qu'en 1962 avec Lawrence d'Arabie. Un film qui scella la collaboration du réalisateur David Lean avec Jarre.

Il a composé de très nombreuses musiques de films dont celles de Lawrence d'Arabie (1962), Le Docteur Jivago (1965), Paris brûle-t-il ? (1966), Les Damnés (1969), Soleil rouge (1971), Le Message (1976), Jésus de Nazareth (1977), Shogun (1980), Witness (1985), Gorilles dans la brume (1988), Le Cercle des poètes disparus (1989), Ghost (1990) ou L'Échelle de Jacob (1990).

Jarre a aussi composé des œuvres de concert majeures et écrit cinq ballets dont Notre-Dame de Paris pour l'Opéra de Paris.

Il est le père du compositeur de musique électronique Jean Michel Jarre, de Stéphanie Jarre (fille de Dany Saval) et le père adoptif du scénariste Kevin Jarre.

Lors du Festival de Berlin en février 2009, il reçoit un Ours d'Or pour l'ensemble de sa carrière. C'est sa dernière apparition en public. Atteint d'un cancer, il est mort le 29 mars 2009 dans sa villa de Los Angeles à l'âge de 84 ans..

Récompenses

Une étoile à son nom sur la promenade de la gloire d'Hollywood.

Il a été récompensé de trois oscars de la meilleure musique de la film, chaque fois pour un film de David Lean :

1962 : Lawrence d'Arabie
1965 : Docteur Jivago
1984 : La Route des Indes

Récompensé également de quatre Golden Globe de la meilleure musique de film :

1966 : Docteur Jivago
1985 : La Route des Indes
1989 : Gorilles dans la brume
1996 : Les Vendanges de feu

autres récompenses

1985 : 7 d'or, catégorie : Meilleure musique / Meilleure musique originale, pour Au nom de tous les miens
1986 : César d'honneur
1989 : British Academy Awards, meilleure musique originale pour Le Cercle des poètes disparus
1991 : Récompense « Top Box Office Films » par American Society of Composers, Authors, and Publishers, pour Ghost
1997 : Prix SACD, catégorie : Musique
1999 : « Hommage » du Festival du cinéma américain de Deauville
2009 : Ours d'Or d'honneur pour l'ensemble de sa carrière

Nomination pour

1963 : Golden Globe de la meilleure musique de film, avec Lawrence d'Arabie
1963 : Oscar de la meilleure musique de film, avec Les dimanches de Ville-d’Avray
1967 : Golden Globe de la meilleure musique de film, avec Paris brûle-t'il ?
1973 : Golden Globe de la meilleure musique de film, avec Juge et hors-la-loi
1976 : Golden Globe de la meilleure musique de film, avec L'Homme qui voulut être roi
1977 : Oscar de la meilleure musique de film, avec Le Message
1985 : Oscar de la meilleure musique de film, avec Witness
1986 : Golden Globe de la meilleure musique de film, avec Witness
1987 : Golden Globe de la meilleure musique de film, avec Mosquito Coast
1988 : Oscar de la meilleure musique de film, avec Gorilles dans la brume
1990 : Oscar de la meilleure musique de film, avec Ghost

Oeuvres les plus connues

Docteur Jivago

Laurence d'Arabie

Ghost

Medley

Sources:

http://fr.wikipedia.org/wiki/Maurice_Jarre

http://www.youtube.com

Franz Schubert et le Quintette en la majeur (La Truite)

Fri, 13 Feb 2009 11:00:00 +0100

Franz Schubert

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Quintette en la majeur (La truite)

Le Quintette en la majeur, D. 667 « La Truite » est le seul quintette avec piano composé par Franz Schubert.

L'œuvre a été composée en 1819, alors que Schubert n'avait que 22 ans ; cependant, elle ne fut pas publiée avant 1829, soit un an après sa mort. L'effectif instrumental est original : il comporte un piano, un violon, un alto, un violoncelle et une contrebasse (et non pas un piano et un quatuor à cordes comprenant deux violons).

La pièce est connue sous le nom « La Truite » car le quatrième mouvement est un thème varié sur un lied de Schubert, die Forelle (la truite), lui-même inspiré d'un texte de Schubert. Le quintette aurait été écrit pour Sylvester Paumgartner, un violoncelliste amateur, qui aurait suggéré à Schubert d'introduire des variations dans ce Lied. On peut retrouver des variations sur des Lieder dans deux autres pièces de Schubert, La jeune fille et la mort, ou la fantaisie Wanderer.

Le sextuplet ascendant faisant partie de l'accompagnement est utilisé comme motif tout au long du quintette, et des variantes apparaissent dans chaque mouvement, à l'exception du Scherzo ; il est généralement introduit par le piano

Les 5 mouvements du quintette

1 - Allegro vivace en forme de sonate. Comme dans beaucoup d'œuvres classiques, le thème alterne entre tonique et dominante. Cependant, le langage harmonique de Schubert est plus coloré, et innovant : usage de médiante et sus-dominante. Ceci se confirme dès le début : au bout d'une dizaine de mesures, un changement de tonalité brusque a lieu du la majeur au fa majeur (soit au niveau de la sus-dominante). Le développement de la mélodie commence de la même manière avec modulation de mi majeur vers do majeur.

***Partie 1***

***Partie 2***

2 - Andante en fa majeur. Le mouvement comporte deux parties symétriques, l'une étant transposée de l'autre, à l'exception de quelques détails, notamment pour permettre au mouvement de finir tel qu'il a commencé. Chacune de ces parties est l'enchaînement de trois thèmes, dont le second peut être considéré pour poignant. On remarque surtout, dans ce mouvement, l'harmonie tonale : La tonalité est modulée de demi-ton en demi-ton, de manière ascendante, de la manière (simplifiée) suivante : fa majeur, fa dièse mineur, sol majeur, la bémol majeur, la mineur, fa majeur. Une telle structure est très originale au regard de l'harmonique classique (Mozart, Beethoven).

3 - Scherzo. Presto en la majeur.

4 - Thema. Andantino - Variazioni I-V - Allegretto en ré majeur (sous-dominante). C'est un thème et variations. Les variations ne déforment pas le thème original, mais font varier la manière de le décorer, et se concentrent sur le changement de mode également. Dans les premières variations, le thème passe d'un instrument à un autre (le violoncelle et la contrebasse ont le thème ensemble, avec un ornement riche au piano, et en tierces à l'alto et au violon). Dans la 5^e variation, qui suit la traditionnelle variation en mode mineur, Schubert innove, en modulant, non pas en tonique, mais en sus-dominante, pour revenir au thème principal, au début de la sixième variation. On peut retrouver cette structure dans l'impromptu en si bémol majeur, D935 nr. 3. La dernière variation est très ressemblante au Lied original, avec le même accompagnement au piano, sur un motif musical qui représente une truite faisant des apparitions à la surface de l'eau (notes montantes et descendantes).

5 - Finale. Allegro giusto. Ce final est en deux parties symétriques, comme dans le second mouvement (mais le chromatisme original est absent cette fois-ci). Cette fois, la deuxième partie est l'exacte transposée de la première, à des changements d'octave près. Comme la première partie est répétée, on entendra le même motif trois fois au long du mouvement ; beaucoup d'auditeurs pourraient trouver ceci lassant. De ce fait, beaucoup d'interprètes choisissent de ne pas faire la répétition. L'harmonie est également très innovatrice : la première partie se termine en ré majeur (la sous-dominante), ce qui est contraire aux canons du classicisme, où l'on doit jouer sur l'alternance tonique - dominante (ou plus rarement, médiante et sus-dominante).

Sources:

http://fr.wikipedia.org/wiki/Quintette_en_la_majeur_(Schubert)

http://www.youtube.com

Vanessa Mae

Sun, 25 Jan 2009 19:00:00 +0100

Vanessa Mae

Vanessa-Mae Vanakorn-Nicholson (陳美 Chén Měi, 27 octobre 1978 - ) est une violoniste dont le nom de scène est Vanessa-Mae. C’est une artiste internationalement reconnue, elle a reçu de nombreux prix d’excellence en tant que violoniste classique. Elle joue aussi un style qu’elle qualifie de « techno-acoustic Fusion ».

Elle est née à Singapour, d’une mère chinoise et d’un père thaïlandais. Après la séparation de ses parents, sa mère s’est remariée à un Britannique, Graham Nicholson. Elle a grandi à Londres et est maintenant une citoyenne anglaise. Comme la loi britannique le permet, elle a accolé à son nom patronymique le nom de son beau-père.

Elle a débuté dans la musique en commençant le piano à trois ans, et le violon à cinq ans. À huit ans, elle étudie au conservatoire de Pékin, sous la direction du professeur Lin-Yao-Ji, puis en 1988, elle retourne prendre des cours en Europe avec Felix Andreyevsky. Elle est devenue la plus jeune violoniste soliste internationalement reconnue, pour ses concertos classiques de Tchaikovsky et Beethoven, à l’âge de 13 ans. Dès cette époque, elle se produit avec des orchestres du plus haut niveau, comme le London Symphony Orchestra ou le National Symphony Orchestra.

Ses derniers albums abordent d’autres registres que le domaine classique, plus pop. Elle n’hésite pas à apparaître dans certaines vidéos, habillée très légèrement. À ce sujet, à propos du choix à faire entre la musique classique ou pop, elle déclare souvent qu’elle veut jouer tout ce qui lui plaît, qu’il s’agisse de Beethoven, The Beatles, Mozart, Michael Jackson, Prince, Paganini ou Elvis Presley : elle les aime tous.

Quoi qu’il en soit en tant que violoniste mais aussi en tant que compositrice : sa musique Happy Valley – musique de six minutes disponible dans l'album Storm – a été choisie pour être l’hymne officiel de la rétrocession de Hong Kong à la Chine, le 1er juillet 1997. La cérémonie officielle était précédée d’un gigantesque concert le 30 juin 1997 à Happy Valley, Hong Kong. En 2004 Vanessa-Mae, collabore avec le compositeur Vangelis, ils composent le morceau Roxane's Veil que l'on retrouve dans la bande originale du film Alexandre composée par Vangelis, ainsi que sur l'album Choreography.

Extraits

Caprice de Paganini

3ème Concerto de Rossini

La danse du sabre Khatchatourian

Nessun dorma de Turandot de Puccini

Roméro et Juliette

Roxane's veil

Happy Valley

Sources:

http://fr.wikipedia.org/wiki/Vanessa_Mae

http://www.youtube.com

Léopold Mozart et la Symphonie des Jouets

Thu, 08 Jan 2009 11:00:00 +0100

Léopold Mozart

Johan Georg Leopold Mozart (14 novembre 1719 - 28 mai 1787) était un compositeur, professeur de musique et violoniste. Il est aujourd'hui surtout connu comme père et professeur de Wolfgang Amadeus Mozart, mais était assez célèbre à son époque.

Leopold Mozart est né le 14 novembre 1719 à Augsbourg (aujourd'hui en Allemagne), dans une famille d'artisans et de relieurs. Il part à Salzbourg pour étudier le droit et la théologie, mais s'intéresse plus à la musique, et entre au service du comte Thurn und Taxis en tant que violoniste et secrétaire, en 1740. En 1743, le prince-archevêque de Salzbourg le prend à son service comme compositeur et maître de concert. En 1747 il épouse Anna Maria Pertl, qui lui donne sept enfants, dont deux seulement survivent, Maria Anna Wallburga Ignatia née en 1751 (surnommée Nannerl) et Wolfgang Amadeus né en 1756.

En 1756, année de naissance de Wolfgang Amadeus, Leopold écrit son Versuch einer gründlichen Violinschule (Traité en vue d'une méthode fondamentale pour le violon), une méthode de violon très importante qui sera traduite dans toute l'Europe. Aujourd'hui, c'est une des principales sources pour l'exécution authentique des œuvres du XVIII^e siècle, avec le traité de Johann Joachim Quantz Versuch einer Anweisung die Flöte traversière zu spielen (sur la flûte traversière) et celui de Carl Philipp Emanuel Bach VERSUCK SIMPHONIE CKALOFOP (sur le jeu au clavier).

Leopold consacre ses qualités de pédagogue à l'éducation musicale de ses deux enfants. Les dons exceptionnels de son fils le décident à organiser des concerts à travers l'Europe pour exhiber ses talentueux enfants. En 1763, il devient vice-maître de chapelle à la cour du prince-archevêque de Salzbourg. Leopold Mozart meurt le 28 mai 1787, à Salzbourg (aujourd'hui en Autriche).

Son œuvre la plus connue (Cassation en Sol pour orchestre et jouets ou Symphonie des jouets) fut un temps attribuée à Joseph Haydn.

La Symphonie des Jouets

Histoire de l'oeuvre

La Symphonie des jouets, il s’agit en réalité d’une cassation (peut-être Leopold a-t-il ainsi puni Wolfi qui avait cassationné ses jouets ?), avec ajout facétieux d’un tas de jouets d’enfants faisant un raffut exaspérantissime : pipeau désaccordé, crécelle obstinée, tambour perce-oreilles, fifre navré et tous ces appareils que la belle-mère Hortense offre perfidement à son p’tit fiston pour casser les oreilles de son beau-fils, celui qui a osé lui ravir sa fille. Et pour ajouter au désarroi, certains musicologues pensent que l’œuvre est peut-être de Michael Haydn ou de Johann Rainprechter ou même Edmund Angerer.

Vidéo

Sources:

http://fr.wikipedia.org/wiki/Leopold_Mozart

http://www.youtube.com